石家庄招生网今天神州网小怡分享用时尚解读时间的句子「对于时间的理解」一文，希望对您有帮助。

　　今年的纽约大都会艺术博物馆慈善舞会（简称Met Gala或Met Ball）不出所料被疫情打败，彻底取消；但所幸其时装大展依然能够在10月登场。与大都会艺术博物馆150周年庆的隆重相匹配，本次大展的主题也相当宏大：“关于时间：时尚与存续”（About Time: Fashion and Duration）。

　　谈论“时间”—— 时装学院（The Costume Institute）院长安德鲁·博尔顿（Andrew Bolton）也承认“这听起来很可怕。大家可能会发现，这个题目比去年的坎普（Camp）主题更让人难以理解。”但是他并不觉得这有任何不妥：“作为策展人，我不认为展览就一定要给出个明确的答案。我喜欢开放式。”

　　开放式地解读“时间”这个概念，你可以从科学的角度、宗教的角度、哲学的角度，甚至文学角度切入。安德鲁·博尔顿显然是人文派。展览题目中的“存续”（Duration）一词来自20世纪法国哲学家亨利·柏格森（Henri Bergson）的理论。他在自己的学位论文《试论意识的直接材料》中提出，时间并非是某种抽象或具象的表达，而是作为永恒地涉及生命和自我的实在。他将之称为“存续”（法文la duree，即英文duration）。柏格森认为时间是动态的流动，简而言之可以用“生命力”一类的词类比。这简直说到了博尔顿的心坎上，他更直接地表述说：“我总觉得‘时尚’就是‘时间’的另一个代名词。”也正如时装设计师卡尔·拉格菲尔德（Karl Lagerfeld）所说:“当你想象一个时代时，你首先想到的是衣服——当你提到18世纪时，你会想到紧身连衣裙，那时建筑或其他任何东西都还没有那么醒目。”

　　“时尚”与“时间”之间的联系不仅反映和代表了时代精神，并且会随着时代的变化不断发展。到了“996”甚至“007”大行其道的数字资本主义（digital capitalism）的今天，时间问题也成为了时尚界的一场生存危机。虽然企业从这种加速的、24小时不间断的数字资本主义中获益，但设计师的创意往往受到24小时不间断运行的限制。设计师抱怨说时间太少，限制了创造力的发挥；而消费者则抱怨说，不想等六个月才能买到自己喜欢的衣服。此外对于可持续发展的时代需求，和对新鲜感的人性渴望之间的张力，亦是一种“时尚”与“时间”的重量级思考。

　　展览的另一个更为具象的灵感来源，是英国导演莎莉·波特（Sally Potter）在1992年的电影《奥兰多》（Orlando），改编自英国作家弗吉尼亚·伍尔芙（Virginia Woolf）的同名小说。电影主角奥兰多穿着18世纪法国女性的长袍进入了一座花园迷宫，然后走出迷宫时，身穿19世纪中叶的连身裙出现在当时的英国。博尔顿说：“我喜欢伍尔芙对时间的演绎，没有开始、中间或结局，就只有此时此刻，时装就是这样。”

　　1885年的维多利亚女装设计与1986年山本耀司（Yohji Yamamoto）的改良演绎

　　展览共计展示120件对应作品。为了呼应大都会艺术博物馆创始的1870年，展品的年份也是从这一年开始。展览中大约七成的展品将来自博物馆的藏品，还有三成需要设计师或收藏家的贡献，以填补大都会艺术博馆收藏中的遗漏。

　　博尔顿认为，这个问题的出现，也是关于时间的一场时尚反思。“我想在20世纪90年代这个部分强调极简主义，结果发现最具代表性的吉尔·桑达（Jil Sander）的作品我们居然只有两件收藏。加利亚诺（Galliano）在迪奥（Dior）时期的作品和海尔姆特·朗（Helmut Lang）的代表作我们的收藏也不多。”而当要寻找英国设计师乔治娜·戈德利（Georgina Godley）在1986年设计的那组最具影响力的“凹凸不平”（Lumps and Bumps）系列时，居然发现如今全世界居然找不到一件实物，幸好戈德利女士答应为了这次展览特别重做一件。

　　在10月开幕的实体展览之前，大都会艺术博物馆放出了一段时长约12分钟的虚拟导览影片。

　　120件时装分别陈列在被制成巨大钟面的两个相邻展厅中，钟面上60分钟里的每1分钟都包含一组通过形状、图案、材料、技术或装饰连接起来的作品——主角作品代表着时尚的线性性质，配角作品则代表着时尚的周期性特征。举个例子：一件19世纪70年代末的黑色丝质罗缎公主连衣裙搭配一件1995年亚历山大·麦昆的Bumster裙；一件1895年 Mrs. Arnold 搭配2004年 Comme DesGarçons 的创作；1902年的Morin Blossier 连衣裙搭配尼克拉·盖斯奇埃尔Nicolas Ghesquiere 在2018年为Louis Vuitton 的设计等。所有的主角作品都是黑色，以强调其不断变化的轮廓；而配角作品则或黑或白，以强调它们之间的联系。

　　除了比较不同时代的两位设计师和作品，另一种组合也包括同一时期的两位设计师的相互竞争——一个幸存了下来，另一个失败了。比如上世纪20年代的香奈儿（Chanel）和巴杜（Patou），上世纪80年代的川久保玲（ReiKawakubo）和乔治娜·戈德利（Georging Godley）。

　　展览的最后部分陈列出一些2020年的新作，将“时间”的概念，与多样性、包容性、可持续性、可追溯性、以及与未来十年时尚相关的伦理问题串联起来。

　　实体展览的设计由视觉艺术家埃斯·德夫林（Es Devlin）操刀。这位舞台设计女神善于利用光影、时间和比例，敢于打破传统，创造奇幻舞台，有过许多重量级作品，包括：2012年伦敦奥运闭幕舞台，为碧昂斯、阿黛尔等巨星定制的奇幻演唱会，为奢侈品牌CHANEL、Louis Vutton设计秀场和艺术空间等。

　　弗吉尼亚·伍尔芙也作为这场时装展中特别的“幽灵叙述者”。不知道是否能为观众的解读助力——除了《奥兰多》，展览中还引用到她的小说《达洛维夫人》（Mrs. Dalloway）和《到灯塔去》（To the Lighthouse）中的文字，作为观众的引导。此外，展览的目录中还放入了美国剧作家迈克尔·坎宁安（Michael Cunningham）的一则短篇小说《小时》（The Hours）。这篇对《达洛维夫人》的后现代主义解读获得了1999年的普利策奖。

　　在策展人博尔顿心中，《关于时间：时尚与存续》，就是他想要做的一个能让思维流连在时尚和当代间的展览。他在接受媒体的采访中说：“我觉得时尚正摆荡在转瞬即逝和无常之间。而我认为，消除介于瞬变与永恒之间的紧张感，或许有助于推动更有意识的时尚文化。”